miércoles, 9 de noviembre de 2011

FOTOGRAFÍA DE TEATRO

por Juan Ignacio Ingelmo.


Todo comenzó con el Taller Creativo (dictado en ENFO), ya había aprendido los conceptos técnicos básicos (curso de iniciación a la fotografía), ahora quería aprender a mirar. Había que elegir un tema, se me ocurrió que yo tenía acceso a un lugar que pocas veces sale a la luz, el detrás de escena de un teatro en la preparación para una opera.
Cuando vamos al teatro a escuchar una opera todo está lleno de magia. Pero no todo lo que pasa y lo que nos pasa es producto de la magia.
Detrás de ese telón, más allá de esos espacios y esos tiempos, hay gente, mucha gente, trabajando.
Estas son fotos tomadas durante la preparación de algunas operas en las que participé como cantante, pero también como testigo, no tan oculto, de lo que ocurría durante su preparación. Allí, gracias al ojo de la cámara, pude reconocer a muchas personas con las que ya antes había tenido contacto, pero que como si fuera un espectador, no había visto.
Entonces, lo que comenzó como un ejercicio fotográfico se convirtió en una suerte de homenaje a todos ellos, los que con su esfuerzo, dedicación y talento hacen posible que disfrutemos de la magia de la opera. Desde luego, tuve que pedir autorización a las autoridades de la compañía de opera para la que canto para tomar esas fotos. Ellos, accedieron generosamente, y solo me pidieron que les mostrara el resultado de mi trabajo una vez concluído. Y parece que les gustó “…nos diste una mirada que no teníamos…”-me dijeron. Me compraron algunas de las fotos que ahora son parte de unos folletos publicitarios de la compañía. fotos del catálogo: Liliana Morsia y Juan Ignacio Ingelmo.


Todo esto ha sido un gran aprendizaje para mi. Aprendí lo poco que vemos, tal vez por la velocidad a la que miramos. Aprendí que una foto no se encuentra, a menos que se la busque. La busqueda pueda ser un juego, una aventura, un sacrificio y hasta una bandera, pero en cualquier caso, enseña y nos muestra algo que no veíamos. Aprendí que todos tenemos una mirada para dar, no importa lo poco que sepamos, solo eso y nada menos que eso. Eso solo di, una mirada. Cada mirada que no se da, se pierde. Solo hay que animarse a dar el primer paso, que tal vez sea el último…: “Pulse el disparador”.
Todas las fotografías son de Juan Ignacio Ingelmo.

viernes, 15 de julio de 2011

ANÁLISIS DE LA PLANCHA DE CONTACTOS

por: Diego Garibaldi.

La plancha de contactos es una previsualización de la totalidad del trabajo realizado. Es una etapa importante dentro del proceso fotográfico, ya que por medio de ella podemos analizar las imágenes positivas de la toma fotográfica realizada.

Al analizar la plancha de contactos no solo observamos los encuadres efectuados, los motivos elegidos y los pasos de bracketing que hemos puesto en práctica, sino que también podremos observar fallas en el revelado de la película, en el revelado del papel, en los elementos físicos utilizados, etc.

A continuación se enumeran una serie de defectos, los cuales fueron detectados después del revelado de la película y entendidos al observar la plancha de contactos.

1-Ubicación incorrecta de la tira de negativos:

La ubicación correcta de las tiras de negativos sobre el papel fotográfico facilita la lectura de los fotogramas a la hora de analizarlos y provee un orden para el fotógrafo.

2- Cantidad insuficiente de revelador en el tanque de revelado:

En este caso la película revelada es de 120mm (formato medio). La banda oscura que se observa en la imagen es producto de la cantidad insuficiente de revelador dentro del tanque.
Por tal motivo, la película no estuvo sumergida en su totalidad durante los intervalos de 50 segundos de reposo en la etapa de revelado.

3- Manchas en el vidrio utilizado para la plancha de contactos:

Cuando el vidrio que colocamos sobre los negativos dispuestos en la hoja posee manchas, estas mismas impedirán el paso de la luz proyectada por la ampliadora, produciendo manchas blancas sobre la imagen.

4- Baño de revelado en cubeta de forma despareja:

El revelador de papel a incidido más en algunas zonas que en otras, esto se debe a que el papel tiene que ser sumergido en su totalidad y el agite de la cubeta se tiene que realizar de forma pareja.

domingo, 28 de febrero de 2010

Glosario de Autores Fotógrafos

A

Adamson, Robert (1821-1847) Considerado junto con su socio David Octavius Hill (pintor), como los más grandes representantes del calotipo. Adamson químico de profesión y fotógrafo por convicción, trabajo al lado de Hill en importantes proyectos fotográficos. Sus obras se caracterizaron por el marcado contraste de luz y sombras comparado con las obras de Rembrandt. Considerados, tanto a él como a su socio, los maestros del estudio del carácter. Escoceses ambos, trabajaron tanto el genero del retrato pero también fueron paisajistas por la influencia pictórica de Hill.

Atget, Jean-Eugéne (1856-1927) “Aprendíz de todo y oficial de nada” sería la frase aplicable a este reportero gráfico, ya que fue marinero, actor y pintor antes de convertirse en fotógrafo. Considerado un fotógrafo genial ya que captó las escenas de la vida cotidiana de París, convirtiéndose en reportero fotográfico. Sus primeros trabajos sirvieron de modelo a pintores como Utrillo, Derain y Vlamink. Con una producción de más de 4.000 placas Atget captó calles, establecimientos, fuentes, detalles arquitectónicos y edificios de su ciudad París. Su obra es considerada como uno de los tesoros de la historia de la fotografía. Su obra creadora, sencilla y honesta mostró todo el realismo fotográfico. Desgraciadamente Atget nunca gozó del favor del público y su obra le permitió vivir modestamente vendiendo sus fotografías una por una.

Ansel Easton Adams (1902-1984) nació en San Francisco, California en 1902.
Ya desde pequeño mostró un gran interés por la fotografía cuando su padre le regaló una cámara de fotógrafos que se caracterizaba por realizar fotografías directas de gran nitidez. También ayudó a fundar el departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), el primer departamento de esta clase en un museo. Ansel Adams publicó numeroBrownie Box en una de las excursiones al Parque Nacional de Yosemite. Más adelante sus fotografías en blanco y negro de dicho parque, así como las de la costa californiana y otros enclaves naturales se convirtieron en su sello de identidad.
En su calidad de fotógrafo paisajista, Adams pasó una parte importante de su vida en los parques nacionales norteamericanos, sobre los cuales publicó más de 24 álbumes. En éste aspecto, no se limitó a las labores de fotógrafo: su trabajo despertó el interés del público por los parques nacionales, contribuyendo así a protegerlos y a crear otros.
Ansel Adams creo el "sistema de zonas" un método de medición y revelado que utilizaba para dividir la gradación de luz en una escena en 10 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión.
Junto a Edward Weston, Imogen Cunningham y Willard Van Dyke fundó el grupo f/64, una influyente organización sos libros tanto de sus fotografías como técnicos.
Murió en abril de 1984.

Richard Avedon. USA, 1923 Realizó estudios de filosofía en la Universidad de Columbia, NY, antes de consagrarse a la fotografía en calidad de autodidacta.
En 1944 conoció a Alexey Brodovitch, director artístico de Harper's Bazaar, con el cual trabajó muchos años.
En 1959 la aparición de su libro "Observaciones", tuvo una gran repercusión.
La obra contenía principalmente retratos de personalidades y algunas fotos de moda. La total ausencia de miramientos en los retratos que, sobre fondo blanco, hacía afluir a la superficie la intimidad de los seres humanos, llamó por primera vez la atención del público y los artistas.
Sus fotografías de moda, en las cuales transcribía su visión personal de un mundo de imágenes vitales, muy próximos a la vida, le valió una extensa publicidad. En efecto, Avedon rompía con la fotografía de estudio, llevando a sus modelos hacia las calles; la foto "Dovima con elefantes" es una de sus más célebres y marcó el comienzo de una nueva era en la puesta en escena fotográfica.
La fotografía de moda de Avedon, que se fué reduciendo cada vez más con el paso de los años y que hacia 1970 se aproximaba a sus retratos fotográficos, se convirtió en una ineludible referencia para toda una generación de fotógrafos.

B

Bayard, Hippolyte (1801-1887) Considerado uno de los más activos inventores de procesos fotográficos y un excelente paisajista. No obstante que radicaba en su natal Francia y que utilizó el sistema del daguerrotipo, descubrió un sistema de positivado directo utilizando el proceso negativo-positivo del inglés Talbot.Bayard fue de los pocos que siendo grande, no gozó de la fama por su trabajo pues la gloria no fue una de sus compañeras. Los descubrimientos de Bayard fueron opacados por los de Daguerre por lo cual no pudo descollar. A pesar de todo, décadas más tarde, se reconoció su trabajo como uno de los más importantes para el desarrollo de la fotografía.

Bisson, Louis-Auguste (1814 - 1876), Bisson, Auguste-Rosalie (1826 - 1900)
El renombre adquirido por los hermanos Bisson, radica en las magnificas y monumentales fotografías logradas de los paisajes alpinos. En 1861 escalan el Mont Blanc y trabajan bajo temperaturas extremas con el colodión, tarea que no resultó nada fácil, para lograr vistas espectaculares. Su trabajo paisajista al principio pasó desapercibido en virtud de que en esa época predominaban los trabajos de tarjetas de presentación, y las fotografías de los hermanos Bisson se vieron un poco opacadas o más bien ignoradas, pero al paso del tiempo las extraordinarias vistas de los Alpes lograron tener el lugar que se merecen.

Brady, Mathew (1823-1896) De origen pintor (retratista) Brady incursionó dentro del campo de la fotografía con la técnica del Daguerrotipo. Retrato a la mayor parte de las celebridades de la época. Sin embargo destacó principalmente durante la Guerra de Secesión. Organizó un gran equipo de reporteros y fotógrafos para cubrir todos los lugares donde se escenificaban batallas. Su importancia radica por el hecho de haber retratado a muchas personalidades estadounidenses: Lincoln, Adams, Jackson y al derrotado general Lee. Es reconocido como el más grande reportero gráfico de la época. El testimonio de la etapa de la guerra intestina es atribuido a este artista de la lente ya que la colección más grande de escenas bélicas, fue captada hábilmente por Brady.

C

Cameron, Julia Margaret (1815-1879) De origen escocés, Cameron se proclamó como retratista por excelencia. Sus modelos preferidos eran personajes célebres como Tensión, Darwin, Carlyle o el violinista Joseph Joachim. Desarrolló un estilo propio utilizando el desenfoque que le daba a sus obras una apariencia diferente en donde rebasaba los límites de la resolución de la cámara. Su trabajo se asemeja al de los retratistas pictóricos, producto de la influencia de éstos pues Cameron convivía mucho con este tipo de artistas. La manera en que Julia Margaret estudiaba las líneas del cuerpo le permitía realizar fotografías diferentes. Una simple inclinación de la cabeza permitía imprimirle simbolismo a un retrato. De vez en vez, Cameron utilizaba algún elemento adicional que permitía complementar la obra, un ramillete o un sombrero que acompañaran al modelo contribuían a la composición artística.

Carjat, Etienne (1828-1906) Periodista y caricaturista de origen, Carjat adquirió fama en su nata Francia retratando a personalidades de la época, tomamos como ejemplo a Víctor Hugo. Su extraordinario instinto por la observación, le permitió llevar a cabo estudios de carácter. Al captar con gran naturalidad a sus modelos realzaba su psicología y destacaba su temperamento.Una de las obras más importantes de este artista fue la fotografía tomada al poeta Charles Baudelaire en la cual utiliza una iluminación difusa, que hace resaltar la profunda mirada del vate logrando así llamar la atención del espectador.

Coburn, Alvin Langdon (1882-1966) Norteamericano radicado en Inglaterra cuyos inicios fueron de paisajista. Sus inquietudes como fotógrafo lo llevaron a inventar el espejo caleidoscópico (Vortoscope). Con el caleidoscopio Corbun realizó diferentes trabajos fotográficos como retratos y diferentes composiciones geométricas semejantes a los hechos por los pintores cubistas. Corbun fue un creador y experimentador. Sus vortografías (de vértice, torbellino) constituyeron los primeros intentos fotográficos que permitieron pisar los terrenos de lo abstracto.

D

Daguerre, Louis-Jacques Mandé (1787-18510) Si bien Daguerre no fue el inventor de la fotografía si debe reconocerse que fue el impulsor comercial del gran invento. Tal vez no el inventor de la fotografía pero Daguerre contribuyó a su desarrollo. Los destacados trabajos realizados por él en base a los apuntes que Niepce le obsequiara a través de su sociedad comercial que formaron, son notables en el avance de la técnica fotográfica. A la muerte de Niepce, Daguerre se encargó de proseguir con las investigaciones llevadas a cabo por su socio. Descubridor de los vapores de mercurio que coadyuvaron al fijamiento de imágenes, Daguerre destacó por la visión científico-comercial del invento.Visionario comercializó el invento bautizándolo como “El Daguerrotipo”. Una vez que se ha logrado fijar la imagen, Daguerre discurre hacerlo en metal. Dicha imagen única ya grabada, permanecía por el tiempo adherida a la placa de metal y con ello se lograba conseguir; la fotografía. El Daguerrotipo llegó a ser tan popular sobre todo en Estados Unidos, que para mediados del Siglo XIX se produjeron millones de imágenes.

Delamonte, Philip Henry (1820 – 1889) Especializado en el papel parafinado, este fotógrafo se caracterizó por haber sido un explorador e innovador en los procesos fotográficos. Reconocido por una obra en concreto: fotografías de la reconstrucción del Cristal Palace del cual documentó desde los más pequeños detalles hasta la ceremonia de inauguración, llevada a cabo por la reina Victoria en 1854. Dentro del aspecto documental de su trabajo logró captar en 1853, el derrumbamiento de uno de los andenes en donde perdieron la vida doce trabajadores.

Demachy, Robert (1859-1938) Demachy es considerado el renovador de la estética fotográfica. Para divulgar su estilo impresionista, escribió varios libros. Es influenciado por nuevas corrientes pictóricas lo que le permite destacar como fotógrafo diferente. Fue un gran maestro de la técnica de la “goma bicromatada”, con la cual obtenía imágenes coloreadas comparadas con las pruebas litográficas. La manipulación de retratos con complicadas técnicas de laboratorio, denotan un refinamiento estético, sin embargo debemos destacar que su trabajo llega a estar más cerca de la composición pictórica que al realismo fotográfico.

Du Camp, Maxime (1822 – 1894) Su afición por la fotografía arqueológica le ha valido un lugar en la historia de los fotógrafos. Realizó varios viajes a diferentes destinos acompañado de su gran amigo el novelista Gustave Flaubert. Destaca su viaje al cercano oriente, concretamente a Egipto, de donde obtuvo 220 calotipos los cuales publicó en un álbum. Editado en lujosa presentación su álbum sirvió para que muchos arqueólogos conocieran, a través de la fotografía, las grandes civilizaciones del cercano oriente, con sus tesoros monumentales.

E

Eastman, George (1854-1932), inventor y filántropo estadounidense, trabajó la primera parte de su vida como empleado de banca, estudiando en sus horas libres los procesos fotográficos. En 1879 patentó en Inglaterra una máquina que aplicaba el gelatino-bromuro de forma homogénea, sobre las placas de cristal. Pero no fue hasta el año 1884 en el que patentó la primera película en forma de carrete que empezó a ser práctica.
En 1888 perfeccionó la cámara Kodak, esta fue la primera cámara pensada para película en forma de carrete. En 1892, fundó la compañía Eastman Kodak Company, en Rochester (Nueva York). En 1889 el rollo de papel fue sustituido por uno de celuloide, con él nació el carrete de película para fotografía y su utilización en el desarrollo del cine. En 1895 se fabricó la primera cámara que se podía cargar y descargar la película a plena luz. Cabe destacar que el año 1935 se lanzó la película Kodachrome y en el año 1946 después de la Segunda Guerra Mundial.
George Eastman dedico gran parte de su vida a la divulgación de la fotografía, lo cual le llevo a crear la gran multinacional firma Kodak. También fue uno de los filántropos más destacados de su época, entregando más de 75 millones de dólares a diversos proyectos. Entre ellos a la: educación medicinal, fundación de la Escuela Eastman de Música, y a colegios afro-americanos entre otros. En 1932, decidió quitarse la vida dejando una nota en la que ponía:
"Mi trabajo está hecho, ¿por qué esperar? "

F

Fenton, Roger (1819-1869) Brillante fotógrafo corresponsal de guerra en Crimea (1855). Su astucia le permitió trabajar bajo el fuego de la metralla rusa consiguiendo imágenes insólitas de las batallas. Con retratos muy humanos de los soldados al frente y escenas de campamentos, se ganó el respeto del público al buscar el reportaje auténtico. En contraste o como un complemento captó famosos bodegones donde, con intencionado detalle, representó todas las formas de la naturaleza.

Frith, Francis (1822 – 1899) Viajero incansable, Francis Frith realizó su trabajo básicamente en los viajes que efectuó a Egipto, Siria y Palestina. Considerado un fotógrafo comercial en virtud de que su trabajo se caracteriza por sus vistas turísticas. Destacó por imprimirle a sus fotografías lúdicas composiciones e incluso se llega a decir que sus composiciones juegan con el alma de las cosas. Su trabajo se reconoce por haber impreso el detalle de la información arqueológica, etnológica y simbólica. Trabajó bajo condiciones extremadamente difíciles por las altas temperaturas como cuando transitó por el río Nilo batiendo el récord de distancia sobre esta afluente. A lo largo de su vida no dejó de practicar su verdadero oficio: el de impresor.

G

Gardner, Alexander (1821-1882) Como ex colaborador de Brady, Gardner también compitió en el oficio de cronista de la Guerra de Secesión. De origen escocés era más aficionado a la química que a la fotografía por lo cual se especializó en el revelado antes que a la toma. Como periodista o corresponsal de guerra, se significa en la historia por el legado que dejó a la humanidad con su testimonio a través de su libro Photographic Sketch Book of the War preparado en 1886. Socialmente destacó debido a que testimonió fotográficamente, la construcción del ferrocarril de la Union Pacific. Además de destacar por haber sido uno de los primeros fotógrafos que documento una serie de retratos de delincuentes para el departamento de policía.

H

Hawes, Josiah J. (1808- 1901) Hawes fue miniaturista lo que le permitió desarrollar cualidades de fotógrafo. Su trabajo permitía una flexibilidad deliciosa. Se puede decir que captó todos los matices de la personalidad humana. Capto las duras facciones de senadores al igual que la severidad moral de los reverendos de la época. Aunque su trabajo principal fuera el retrato también capto bellos paisajes. La sociedad que formó con Southworth, fue reconocida internacionalmente como una de las primeras compañías fotográficas de esos tiempos. Pero así como se distinguieron, Southworth y Hawes, como retratistas y paisajistas, también incursionaron en la fotografía periodística al captar las primeras escenas de la vida cotidiana del Boston moderno y progresista.

Hill, David Octavius (1802-1870) La sociedad que formara con Robert Adamson duró cinco escasos años ya que éste murió a temprana edad, 27 años. A pesar de ello en este corto tiempo lograron producir más de 1.500 fotografías con el sistema de Talbot, el calotipo. La formación de pintor le permitió a Hill mostrar con sensibilidad rostros femeninos y además captar paisajes de su tierra Escocia y de su natal Edimburgo. El binomio formado por un científico (Adamson) y un artista como Hill rindieron frutos importantes. Hill con su visión artística y Adamson con su aportación científica contribuyeron al desarrollo de la fotografía.

K

Kaprow, Allan (1927-2006) Allan Kaprow originario de Nueva Jersey es conocido como el inventor de los Happenings, un tipo de arte performance. Él estudió con una gran variedad de profesores, incluyendo al músico Jonh Cage, quien le mostró la idea de una organización estética. Inicialmente fue pintor, pero dejó el medio para dedicarse al montaje y al arte ambiental en los 50. En un artículo publicado en 1958 introduce la idea del happening, determinando que la elaboración y permanencia debían ser olvidadas y que los materiales utilizados en el arte deben ser perecederos.

Keith, Thomas (1827 – 1895) Ginecólogo de profesión se aficionó a la fotografía logrando especializarse en paisajes. El manejo de la luz le permitía hacer fotografías con luz suave evitando los contrastes. Por motivos de salud sólo produjo dos centenas de fotografías. Fue un fotógrafo que se caracterizó por captar escenas de Escocia, ya que el era originario de Edimburgo. En su técnica fotográfica utilizó el colodión húmedo y se caracterizó, también, por realizar una composición fotográfica a base de seis exposiciones superpuestas con lo cual se ganó la fama de fotógrafo paisajista. Su corta vida impidió que Keith produjera más imágenes, pero dejó huella indeleble con su obra.

Klein, William. (Nueva York, 1926) Fotógrafo estadounidense. Es reconocido tanto por sus trabajos en el campo de la fotografía sobre moda como por sus reportajes de ciudades. Los primeros le hicieron célebre a través de la revista Vogue; los segundos son un testimonio de su certera visión de los lugares que visitó y muestran su habilidad para el reportaje gracias a su especial percepción psicológica. También son destacables sus trabajos en el campo de la cinematografía, a la que se dedicó en los años 60 y 70.
Estudió en el City College de Nueva York, tras lo cual se alistó en el ejército (1945), justo un año después de graduarse. Comenzó como dibujante gráfico e ilustrador de la revista Stars and Stripes. Tras ello se trasladó a Europa, en lo que sería un viaje fundamental para su futura dedicación. Se matriculó en Historia del Arte en la Sorbona y llegó a coincidir con el importante pintor cubista francés Fernand Leger. Practicó la pintura con fluidez, siempre desde una perspectiva abstracta, aproximación a la realidad que también está presente en algunas de sus obras fotográficas mas vanguardistas. Algunos de sus lienzos, de fuerte carácter geométrico, fueron expuestos en 1952 en la Galería Il Milione de Milán.
No obstante, lo importante de la obra de Klein es su práctica de la fotografía. Entre 1954 y 1966 fue fotógrafo de la importante revista Vogue, para la que realizó numerosos reportajes de moda a los que siempre supo aportar su particular punto de vista, convirtiendo estas imágenes de consumo en verdaderas obras de arte. Pero su verdadera vocación fotográfica fue, como él mismo decía, "sus fotos serias", los reportajes fotográficos que editó en una serie de monografías y que representaban aspectos cotidianos de ciudades como su querida Nueva York, Moscú, Tokio o Roma.
Cuando abandonó su empleo en Vogue, y a excepción de algún trabajo esporádico, se dedicó íntegramente a la cinematografía, campo que abordó en el contexto cultural politizado y vanguardista de finales de los sesenta y de la década de los setenta. En 1981 regresó a la práctica fotográfica, lo que coincidió con una valoración y reconocimiento públicos de la gran calidad de su obra anterior.

L

Lartigue, Jacques Henri (Courbevoie, 1896-Niza, 1986) Llamado el niño prodigio de la fotografía pues desde los siete años ya realizaba tomas fotográficas, con una cámara que le regaló su padre. Producto de su ingenuidad infantil logró tomas interesantes al margen de las convenciones existentes en su época. Se especializó en captar escenas de la vida cotidiana común y corriente de destacada sencillez, tales como: las carreras de caballos, los primeros automóviles, las vacaciones invernales en Saint Moritz, el verano en Biarritz, etc.Testigo fiel de la “Belle Epoque”, Lartigue es también considerado el fotógrafo que captó el tiempo perdido. Fue el único capaz de “escribir” su autobiografía, fotográficamente.

Le Gray, Gustave (1820 -1862) Como muchos fotógrafos de su época, Le Gray también tenía una formación de pintor. Pero al igual que muchos pintores de su época, sobre todo retratistas, su trabajo de pintor sufrió descalabros por lo que decidió dedicarse a la fotografía. Se especializó en la fotografía de arquitectura y en escenas documentales. Muy pronto se dio a conocer por el dominio que consiguió en efectos de luz. Logró captar cielos brillantes en escenas marinas y se caracterizó con crear atmósferas especiales en sus fotografías. Su especialidad fue el colodión.

M

Marville, Charles (1816-1879)
Considerado el fotógrafo de París quien con su cámara captó los rincones nostálgicos de esa gran ciudad luz. Destacó por ser el fotógrafo oficial del museo de Louvre. Se anticipó a captar los viejos rincones de París antes de ser sustituidos por grandes bulevares. Depositario así de la historia gráfica del viejo París ante la inevitable modernización, producto del desarrollo y el progreso naturales de una gran capital. Guardó, gráficamente el París desaparecido y logró con ello conservar aquellas viejas casas, calles y plazas de un París que ya no existiría más.

Muybridge, Eadweard James (1830-1904) Considerado uno de los pioneros de la fotografía en movimiento y de la cinematografía, este inglés con un obturador rudimentario y placas de colodión húmedo obtuvo las fotografías de un caballo en movimiento. Con la invención del zoogyroscope, aparato capaz de de animar la imagen, mostró su capacidad creativa e inventiva. Escribió libros sobre la locomoción humana y animal, publicados con fotografías. Los experimentos fotográficos de Muybridge, tuvieron gran influencia en la pintura dinámica del Siglo XX.

N

Niepce, Joseph Nicéphore (1765-1833) Los conocimientos de química y la tenacidad fue lo que hicieron de Niepce el inventor de la fotografía. En 1826 obtuvo la primera imagen considerada como fotografía. Logro retener la imagen en una base y logro fijarla de tal manera que su invención le valió el calificativo de inventor de la fotografía. Tras muchos años de trabajo intentando lograr fijar la imagen fue que utilizo el Betún de Judea (crema de zapatos) lo que permitió su gran hazaña. El trabajo no fue fácil, Niepce inició sus experimentos a temprana edad, desde su infancia y fue a través de los años que vio culminada y realizada su obra. Si bien desde el punto de vista científico Niepce fue el creador de la fotografía no fue hasta que se asocio con Daguerre que se comercializo su invento. Niepce no disfrutó económicamente de sus trabajos pero si se puede aseverar que científicamente quedo satisfecho.

Notman, William (8 March 1826 – 25 November 1891)
Principalmente Notman se dio a conocer como fotógrafo cuando emigró de Escocia hacia Canadá en 1856 donde se dedicó a tomar placas de los pioneros emigrantes a ese país. Emprendedor, conocedor del medio, fundó un estudio fotográfico en Montreal llegando a tener fama de retratista de grandes personajes tales como Buffalo Bill. Desde su estudio podía recrear escenas de los bosques así como de sus cazadores y tramperos. Sin embargo también viajó por todo el país captando escenas en vivo y dejando testimonios gráficos de la vida cotidiana de los años 50 y 60 en el Canadá.

O

O’Sullivan, Timothy H. (1840-1882)
Limitado por su precaria salud, O’Sullivan, quien murió tuberculoso, inició su carrera como fotógrafo en el equipo de Brady en plena guerra de secesión. Logró, con magnífica calidad, daguerrotipos soberbios de los campos de batalla. Al independizarse de Brady, se dedicó a las más arriesgadas misiones de reportaje, pero, en contraste, también logró captar bellos paisajes de todo el continente americano. Con extraordinaria sensibilidad logró contrastar escenas tan disímbolas como la crudeza de la guerra, la belleza poética de las formas de la naturaleza, la ternura humana de los pueblos indios empobrecidos y la aventura de la selva.

R

Riis, Jacob August (1842-1914) De origen danés emigra a Nueva York en 1870. Trabaja como reportero en el New York Tribune, destacando por el dramatismo que imprimía en sus reportajes. Las imágenes captadas de las inhumanas condiciones de vida de los inmigrantes hacinados en los barrios bajos, le dio fama y reconocimientos por parte de la opinión pública. Su labor periodística despertó el interés del gobierno por mejorar las condiciones de trabajo de los niños trabajadores, de quienes se abusaba. Con valor y audacia, logró captar con su cámara las condiciones en las que se vivían, en los ghettos y covachas de la ciudad, sin higiene ni ventilación, la mayoría de los habitantes.Sus publicaciones más importantes fueron: How de other half lives; Children of the Poor y Children of the Tenements.

Robinson, Henry Peach (1830-1901) Representante de la fotografía pictórica, Robinson es el autor de la llamada “fotografía narrativa”. Destacó por haber escrito un libro que sirvió de guía para quienes ejercían el trabajo de fotógrafos pictóricos: Picture Making by Photography.La fotografía de la escena de una joven moribunda, le mereció el reconocimiento de la sociedad de su tiempo. Su profunda visión de la iluminación, le permitió concebir una de sus máximas imágenes “Cuando el trabajo del día ha terminado” que refleja la escena de un matrimonio de avanzada edad, gozando de la calma y de su hogar a solas.

S

Southworth, Albert S. (1811-1894) Siendo farmacéutico, Southworth estaba familiarizado con la química lo que permitió que su desarrollo como fotógrafo fuera más fácil. Considerado como uno de los pioneros en la fotografía artística. Se asocio con Josiah J. Hawes en 1844 formando una de las primeras empresas dedicadas exclusivamente a la fotografía. Se especializaron en la técnica Daguerre. La sociedad burguesa de Boston del Siglo XIX, fue captada por la lente de estos fotógrafos. Se especializaron en el arte de iluminar a sus modelos, resaltando con ello los rasgos más temperamentales y reveladores de las distintas fisonomías.

Stelzner, Kart Ferdinand (1805 - 1894) Este alemán fue pintor antes que fotógrafo. Para explotar su experiencia como retratista, estudió en Francia la técnica del Daguerrotipo y abrió un estudio fotográfico en Hamburgo. Su gran sensibilidad le permitió captar con las cámaras, retratos de la sociedad hamburguesa. Logró cautivar al Club Artístico de Hamburgo quienes, en grupo, posaron para él. Fue un excelente reportero pero la propia sociedad de Hamburgo y los periódicos de su tiempo jamás le publicaron una sola fotografía. Paradójicamente murió ciego producto de su constante contacto con los materiales que manejaba: el yoduro de plata y el mercurio.

Stieglitz, Alfred (1864-1946) Quizá el fotógrafo más galardonado en la historia de la fotografía. Es considerado un mito fotográfico. Con la fundación de Photo Secessión en 1902, se convierte en el precursor de la fotografía moderna. Se caracterizó por obtener fotografías directas, íntimas y llenas de significado. Sus efectos abstractos llamados “equivalentes”, que no era otra cosa que superponer imágenes de nubes sobre sus negativos, son reconocidos mundialmente.
En 1905 dirige la famosa galería “291” la cual tuvo gran influencia en el arte vanguardista. Destacan básicamente los trabajos realizados en la ciudad de Nueva Cork y los retratos hechos a su esposa, la pintora Georgia O´Keefe.


T

Talbot, Wiliamm Henry Fox (1800-1877) Matemático, filólogo, arqueólogo, este inglés de múltiples inquietudes, es catalogado como el inventor del negativo de papel. Entre sus logros esta el haber escrito el primer libro ilustrado con fotografías (El lápiz de la naturaleza). Luchó contra varias demandas debido a su invento pero aunque perdió algunas, se le ha reconocido como el inventor y promotor del sistema negativo-positivo. Polémico pero todo un caballero inglés Talbot supo vencer las dificultades que le causo su trabajo y se mantuvo como uno de los apotadores científicos más significativos a la industria de la fotografía. Originalmente llamo a su invento calotipos que significa (imágenes hermosas) aunque debió cambiar después al nombre comercial de Talbotipos, aludiendo a su apellido.

W

Weegee
Weegee es el seudónimo de Arthur Fellig (12 de junio de 1899 – 26 de diciembre de 1968), un fotógrafo y reportero gráfico estadounidense conocido por sus descarnadas fotografías en blanco y negro.
Weegee nació en la localidad de Zolochiv, hoy perteneciente a Ucrania. Sus padres, Rachel y Bernard, le pusieron el nombre de Usher. Sin embargo, se le cambió el nombre a Arthur cuando emigró a Nueva York con su familia en 1909.
El fotógrafo fue el segundo de siete hermanos. Los cuatro primeros (Elias, Usher, Rachel y Phillip) nacieron en Europa. Los tres menores (Molly, Jack y Yetta) nacieron en los Estados Unidos.
Fellig debe su alias Weegee a una interpretación fonética de la palabra
ouija, debido a sus frecuentes llegadas a escena sólo minutos después de que se le hubiese avisado a las autoridades acerca de un crimen, un incendio u otra emergencia. Existen diferentes teorías sobre quién le asignó dicho seudónimo al fotógrafo. Hay quien cree que fue el propio Weegee quien se autonombró así, mientras que otras teorías señalan que el seudónimo se lo dieron las chicas de Acme Newspictures (la agencia que proveía imágenes a los dos periódicos más importantes de Nueva York: el Daily News y el Herald Tribune) o un agente de policía.
Weegee está considerado un fotógrafo de noticias indiscreto especializado en documentar el ambiente callejero de Nueva York mediante sus desgarradoras fotografías en blanco y negro. Las fotografías de Weegee mostrando escenas de crímenes, víctimas de accidentes de tráfico ensangrentadas o playas urbanas abarrotadas siguen resultando estremecedoras. Sin embargo, como yuxtaposición, Weegee también fotografió a las damas de la alta sociedad neoyorquina vestidas con sus armiños y diademas.
En el año 1938, Fellig era el único reportero gráfico de Nueva York que poseía un permiso para llevar consigo una radio portátil de onda corta con la frecuencia de la policía. Tenía instalado un cuarto oscuro en el maletero de su coche para acelerar el proceso de entrega de sus fotografías a los periódicos. Weegee casi siempre trabajaba durante la noche como fotógrafo
freelance; escuchaba la radio atentamente llegando a las escenas, en ocasiones, antes que los propios policías.
La mayoría de sus fotografías más famosas fueron tomadas con un equipo fotográfico muy básico y con las técnicas de la época. Weegee no recibió formación fotográfica alguna sino que fue siempre un fotógrafo autodidacta, así como un gran promotor de sí mismo.

Edward Weston (24 de marzo de 1886 - 1 de enero de 1958) fue un fotógrafo estadounidense que se caracterizó por utilizar una cámara fotográfica de placas con un formato de 18 X 24 cm y emplear el primer plano en temas naturales para obtener formas poco corrientes. Fue uno de los fotógrafos más importantes de la fotografía directa y cofundador del Grupo f/64.
Nacido el 24 de marzo de 1886 en Highland Park, Illinois. Ya desde temprana edad, destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro, aunque en su comienzos se encuadraba en el pictorialismo. En 1911 abrió un estudio de retratos en Glendale y en 1914 fue miembro fundador de Los Angeles Camera Pictorialist sin embargo en los años veinte evolucionó hacia una fotografía más abstracta. En 1921 conoció a Tina Modotti que se convirtió en su amante y por ello entre 1923 y 1925 mantuvo un estudio en México y se relacionó con los movimientos artísticos del momento. La influencia de su amigo el pintor Diego Rivera supuso un cambio completo en su estilo.
El 12 de abril de 1924 expuso una serie de fotografías con tema industrial en el Café de Nadie, durante la Velada Estridentista, donde se dieron cita los artistas experimentales de diversas nacionalidades que en ese momento trabajaban o estaban de visita en la ciudad de México. Colaboró en el Estridentismo por medio de publicaciones en las revistas estridentistas Irradiador y Horizonte. Durante su estancia en México mantuvo amistad con Manuel Álvarez Bravo y Frida Kahlo.
En 1927 regresó a California instalado poco después un nuevo estudio en Carmel contando con la colaboración de su hijo Brett. En sus trabajos fotográficos ya empieza a emplear una gran profundidad de campo y un alto nivel de enfoque en las escenas de paisajes y en sus retratos y de modo especial en los primeros planos de formas naturales poco usuales, que fueron las que le hicieron famoso posteriormente. La mayoría de su obra la realizó en una cámara de fuelle de 8x10 pulgadas lo que le permitía mayor nitidez y definición en las fotografías y poder obtener las copias en papel por contacto. En 1932 es miembro fundador del grupo f/64 que propone esta estética próxima al realismo, que se enfrenta a la concepción pictorialista de la fotografía.
En 1937 obtuvo una beca de la Fundación Solomon R. Guggenheim que fue la primera que se dio a un fotógrafo. Su compañera Charis Wilson convivió con él desde 1934 a 1945, año en que se divorció y durante esa época realizó varios trabajos por encargo como la ilustración de Hojas de hierba de Walt Whitman, o colaboraciones con Willard Van Dyke o Nancy Newhall.
Sus últimas fotografías las tomó en la reserva de Point Lobos en 1948 y en esa época ya estaba afectado por la enfermedad de Parkinson. Murió en su casa de Wildcat Hill en Carmel Highlands en Big Sur, California el 1 de enero de 1958.

Garry Winogrand (Nueva York, 1928 - 1984), fotógrafo estadounidense.
Practicante y pionero de la fotografía callejera ("street photography"). Recibió tres Becas Guggenheim (1964, 1969 y 1979). Su trabajo aparece expuesto por primera vez en 1963 en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York. Se trata de una muestra colectiva en la que también aparecen trabajos de Minor White, George Krause, Jerome Liebling y Ken Heyman. En 1966 Winogrand expuso en el George Eastman House de Rochester, Nueva York, con Lee Friedlander, Duane Michals, Bruce Davidson y Danny Lyon en una exposición titulada "Toward a Social Landscape". En 1967 expone junto con Diane Arbus y Lee Friedlander en la muestra "New Documents" en el MOMA.
Garry realizó estudios de pintura en el City College de Nueva York estudiando después, en 1948, pintura y fotografía en la Columbia University de Nueva York. En 1951 asistió a las clases de fotoperiodismo impartidas por Alexey Brodovitch en la New School for Social Research de Nueva York. Posteriormente él mismo dictó clases de fotografía en la Universidad de Texas de Austin y en el Art Institute of Chicago, siendo de gran influencia para sus estudiantes.
El trabajo de Garry Winogrand estaba influido por los de Walker Evans y Robert Frank, y por las publicaciones: American Photographs y "The Americans". Por supuesto, también Henri Cartier-Bresson fue de gran influencia, aunque sus estilos sean totalmente diferentes. Winogrand nunca buscaba una "foto bonita". La capacidad de anticiparse al suceso y la habilidad para tomar la fotografía con rapidez son las dos características más destacadas de los practicantes de la "street photography" y Cartier-Bresson está considerado en este sentido no sólo uno de los pioneros sino también el mejor en ambos aspectos, siendo su texto "El momento decisivo" uno de los más influyentes.
Winogrand realizó un retrato exhaustivo de la Norteamérica de los años 60 y 70 de la misma manera que anteriormente lo había hecho Robert Frank. Winogrand estaba asimismo interesado por el papel de los medios masivos de comunicación a la hora de conformar las actitudes de las personas.
Recorría las calles de Nueva York con su cámara Leica M4 y un objetivo gran angular preenfocado, tomando fotografías muy rápidamente. Con frecuencia su cámara estaba inclinada en el momento del encuadre lo que generaba unas fotografías con un horizonte no paralelo, lo que causaba la consiguiente extrañeza en el espectador.
Para su libro The Animals (1969), fotografió exhaustivamente el Zoológico del Bronx en Nueva York y el Acuario de Coney Island. Encontró otro de sus temas en el Fort Worth Fat Stock Show and Rodeo de 1980, y estas fotografías aparecieron en otro libro.
Garry Winogrand murió de cáncer en 1984, dejando más de 300.000 imágenes sin editar, muchas de las cuales ni siquiera había revelado. En concreto y tal y como aparece en el texto de Szarkowski (publicado en Figments from the Real World, publicado junto con la exposición correspondiente por el MOMA de Nueva York): unos 2500 rollos de película expuesta sin revelar, 6500 rollos revelados sin contactos y 3000 rollos cuyas hojas de contactos no había mirado en absoluto. Esto hace un total de 12000 rollos que Garry Winogrand había expuesto pero no había visto en el momento de su muerte. Aproximadamente 432.000 fotos tomadas sin ser vistas posteriormente.

Joel-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense.
Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.
Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.
Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginado como artista en diversas ocasiones.
Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.



martes, 21 de julio de 2009

CÓMO CAPTAR EL MOVIMIENTO DE LOS ASTROS FOTOGRAFICAMENTE (STAR TRAIL)

Una de las características más relevantes de este tipo de fotografías radica en que en ellas podremos observar el movimiento aparente de las estrellas, que se plasmarán en la fotografía como arcos concéntricos a un punto (la Estrella Polar en el hemisferio Norte o la Cruz del Sur en el hemisferio Sur) que serán tanto más largos cuanto más alejados estén del centro aparente de rotación y cuanto mayor sea el tiempo de exposición. Esto se debe que la rotación de la Tierra nos hace ver el resto del universo en movimiento porque nuestro punto de referencia es la Tierra propiamente dicha.
Las exposiciones de varios minutos o varias horas muestran una sorprendente cantidad de movimiento de los astros. Este movimiento crea interés y el desplazamiento de las estrellas puede ser previsto. Un encuadre que tenga la Polar alejada del mismo dará como resultado líneas de estrellas más largas, tengamos en cuenta si estamos en el hemisferio sur no podremos ver esta constelación, pero si podremos obtener el mismo efecto al orientarnos con nuestra brújala en dirección norte.

Tenemos que tener en cuenta ciertos inconvenientes que se nos pueden presentar al realizar fotografías nocturnas:

- En fotografía nocturna de larga exposición, el primer problema que encontramos es la poca
cantidad de luz ambiente que disponemos, esto lo solucionaremos con una larga exposición que
puede tener una duración de minutos a varias horas.
- Al contrario de lo que se puede pensar, no usaremos películas de altísima sensibilidad ni ISO
elevados en el caso de las cámaras digitales, ya que el grano o el ruido según casos, serían
demasiado elevados. Usaremos valores de ISO entre 50 y 100, teniendo en cuenta que en
largas exposiciones digitales el ruido aumenta a medida que pasa el tiempo y en la película
aumenta el grano.
- Asimismo no olvidemos el fallo a la ley de reciprocidad debido a que estaremos realizando
tomas de mucha duración. (cuando hacemos tomas con película)
- Al ser los tiempos de exposición prolongado agotará rápidamente nuestras baterías.
- También debemos saber que a diafragma más cerrado, menos estrellas aparecerán. Al cerrar el
diafragma sólo las estrellas más brillantes impresionan la película y el efecto obtenido es menos
espectacular. Por el contrario, diafragmas de f/1'4 ó f/2, por ejemplo, registran muchas
estrellas, incluso las de brillo más débil.
Fotografía nocturna con exceso de ruido digital

Antes que continuar vale aclarar para las personas que no están íntimamente relacionadas con la fotografía es que este tipos de fotos se obtienen utilizando el modo ¨B¨ (bulbo, en la cual el obturar permanecerá abierto todo el tiempo que se mantenga apretado).
Ahora bien, la luz que la Luna refleja está polarizada en proporciones variables. Nuestro satélite absorbe una de las dos vibraciones luminosas que le llegan desde el Sol, de forma que prevalece sólo la más intensa y está polarizada, como toda luz reflejada. La proporción de esta luz varía con el ángulo de la fase lunar. Alcanza su máximo en los cuartos lunares y queda anulada dos días antes y dos después de la luna llena.

Los resultados que podemos esperar en la fotografía nocturna de paisaje básicamente son:
Exposiciones muy largas debido a la ausencia de luna, de más de una hora de duración.
Exposiciones largas de un mínimo de 5 minutos, con recorrido de estrellas formando líneas semicirculares. La iluminación puede ser lunar, artificial o mezcla de ambas.
Exposiciones crepusculares cortas con la Luna en el cielo.
Exposiciones cortas al inicio de la noche, con o sin uso de flash, y estrellas formando puntos con cielo azul oscuro de fondo.

En una noche sin luna, se puede empezar la exposición tras el crepúsculo, lo que dará un cielo azul saturado y una silueta contrastada con el fondo. Si se empieza en oscuridad sin luna, la exposición necesita ser de un mínimo de tres horas para un fondo del recorrido de las estrellas y una silueta definida del paisaje, con un objetivo de
28 mm, película de 100 ISO y f/2. Salvo que haya polución lumínica de fondo, el cielo quedará esencialmente negro.
Una ventaja de fotografiar en una noche sin luna es que se puede empezar la exposición al anochecer y acabar al amanecer —un potencial de 8 a 10 horas—. Ello dependerá de la focal del objetivo utilizado, del diafragma y del tipo de película. La imagen resultante puede ser espectacular, con líneas de estrellas extendiéndose de horizonte a horizonte
Las imágenes de líneas de estrellas con un paisaje iluminado por la Luna resultan con un trayecto más corto, dependiendo de la luz lunar y del diafragma empleado. Sin embargo hay que cuidar la exposición para que no parezca totalmente de día o se sobreexpongan las claridades. A simple vista también solemos ver muchas menos estrellas de lo que luego aparece en la imagen si la hemos tomado con un diafragma adecuado.
Con luna creciente, es posible efectuar exposiciones de varias horas. Se necesita al menos una hora para que aparezca el color y detalle en el paisaje. Una exposición de 30 minutos a una hora funcionará con media luna. Un día o dos después de la media luna, las exposiciones descenderán entre 20 y 45 minutos. Los tres o cuatro días antes de la luna llena, las exposiciones de 10 a 20 minutos todavía tienen la suavidad de la noche y un cielo profundo de color azul saturado.

Exposiciones recomendadas para obtener líneas de estrellas con un objetivo de 28 mm y película de 100 ISO a f2

Luna nueva: de 3 a 8 horas
Creciente: entre 1 hora y 2
Media Luna: 30 minutos
Luna llena: 6 a 8 minutos.


¡Ahora a sacar fotos y ver que pasa!



jueves, 2 de julio de 2009

ABERRACIONES

Es toda característica de una lente o de un espejo que impide la formación de una imagen perfecta. Hay siete aberraciones que afectan a la calidad de las imágenes fotográficas, y sus efectos visibles incluyen la degradación de la definición, la disminución del contraste, la distorsión de la forma y la aparición de bordes coloreados. Las aberraciones geométricas impiden que los rayos de la luz de un mismo origen en el objeto lleguen a un punto común o plano focal de la imagen a causa de que los rayos luminosos, que pasan por diferentes porciones o zonas de la lente, no son refractados en el mismo grado. Las aberraciones geométricas son: aberración esférica, coma, astigmatismo, curvatura de campo y distorsión. Las aberraciones cromáticas o de color dispersan o separan las longitudes de onda de un rayo de luz a través de una determinada zona de la lente, de modo que los diversos colores llegan a diferentes posiciones del foco, de acuerdo con sus longitudes de onda. Las dos aberraciones de color son: la aberración cromática longitudinal y la aberración cromática transversal.
Las aberraciones son características propias de los objetivos y en general resultan graves en las lentes simples. Los efectos de algunas aberraciones pueden reducirse cerrando la abertura del diafragma o por filtraje selectivo. Sin embargo, los objetivos compuestos modernos están bien corregidos en diseño y en manufactura. Las aberraciones geométricas se corrigen controlando las formas de los distintos componentes del objetivo y combinando elementos realizados con cristales u otros materiales, con cualidades refractantes distintas. Los objetivos bien corregidos pueden constar desde 3 a unos 20 elementos que palian esas aberraciones. Las aberraciones cromáticas se corrigen combinando elementos de materiales que presenten diferentes características de dispersión, mientras que para las otras aberraciones hay que elegir adecuadamente el cristal, la curvatura, el grosor del elemento y el espacio de aire. Incluso en los objetivos mejor corregidos se encuentran trazas de todas las aberraciones; sus efectos se combinan en una influencia total sobre la calidad de la imagen. La aparición de aberraciones individuales puede observarse poniendo a prueba el objetivo en un banco óptico o bajo condiciones controladas parecidas.

Bibliografía: Enciclopedia Práctica de la Fotografía de Kodak

sábado, 20 de junio de 2009

¿Cómo fotografiar la luna?


La mayoría de las fotos de aficionados tomadas a la luna, no quedan nada bien. Resulta que con cámaras en función exposición automática y con objetivos no adecuados es prácticamente imposible obtener un buen resultado.
Primeramente hay que considerar que con un objetivo no muy largo no se puede llenar el cuadro con el objeto que esperamos fotografiar en este caso la Luna. Necesitamos un teleobjetivo de aproximadamente 500 mm. de distancia focal para obtener un primer plano. Un objetivo catadióptrico (de espejos) sería muy útil para tal fin, ya que podríamos tomar nuestra foto sin trípode, es decir con cámara en mano. Si realizamos las fotografías con un teleobjetivo de 200 ó 300 mm. luego podremos montar nuestra luna con un paisaje u otra imagen que nos interese.
Otro considerando es que si la luna ocupa una pequeña superficie de nuestra imagen, el fotómetro en función automática nos dará una medición incorrecta, quedando sobreexpuesta, perdiendo todo detalle de la superficie lunar. Esto es debido a que la gran superficie negra del cielo con respecto a la menor superficie de la luna nos promediará la medición equivocadamente.
Si nos ponemos a pensar la luna es un objeto que se encuentra iluminado en forma directa por el Sol. Con lo cual nuestra exposición será casi igual que cuando realizamos fotografías a plena luz, en un día soleado. Con lo cual hay una forma sencilla de calcular la exposición y es comenzar a realizar fotos aplicando la regla f16 al sol, y la velocidad de obturación será acorde a la sensibilidad de nuestro material sensible o lo informado en el fotómetro en nuestras cámaras digitales. Por ejemplo con ISO 200, se expondrá con una velocidad de obturación de 1/250. Hay que tener en cuenta que esto es una aproximación por lo cual convendrá realizar exposiciones aplicando la técnica del bracketing (del inglés bracket = "paréntesis", y también "agrupar") u horquillado (este último termino español), consistente en realizar varias exposiciones variando los parámetros de abertura del diafragma y velocidad de obturación (variar los valores de exposición).
Si contamos con una cámara digital no nos será difícil poder apreciar cual es la exposición correcta, ya que la inmediatez con la que podemos ver la imagen nos permite realizar los ajustes pertinentes.
Si deseamos realizar una fotografía en la cual se aprecia un paisaje y una esplendida luna llena, probablemente cuando nos queda bien expuesta la luna, el paisaje quede subexpuesto y viceversa. Por lo cual tendremos que realizar dos tomas fotográficas, ambas correctamente expuestas, por un lado el paisaje y por otro la luna. Luego montarlas en Photoshop siempre que estemos trabajando en formato digital.
Otra solución también será utilizar un filtro graduado (neutro o de color), que quitará luz al cielo pero no a la parte inferior de nuestra imagen es decir el paisaje.


foto Federico Vallejos.


Si realizamos una fotografía de paisaje nocturno con exposición prolongada tanto la luna como las estrellas quedarán movidas debido al movimiento de rotación de la Tierra. Cuanto más prolongada sea la exposición las rayas blancas o estelas dejadas por los astros celestes serán más largas. Es un recurso para dar un mayor impacto visual al paisaje nocturno.

foto Federico Vallejos.

Fotos muy interesantes de la luna se obtienen fotografiando de día, temprano por la mañana, en este caso las exposiciones son cortas, no se dificulta medir la luz o realizar la exposición en forma automática, ya que el tono del cielo no es negro, por lo que no influye negativamente en la medición promediada. Es muy útil realizar estas tomas con filtro polarizador para incrementar el destaque de la luna contra el cielo celeste.

miércoles, 20 de mayo de 2009

Glosario Fotográfico

A



  • Aberración
    Una aberración, en fotografía, es la deficiencia óptica de un objetivo que da lugar a imágenes faltas de nitidez o deformadas.
  • Abertura.
    Abertura circular del objetivo. Normalmente variable en cuanto a diámetro y controlada por un diafragma calibrado en números f.
  • Absorción
    La absorción es la captación por parte de los cuerpos de energía luminosa y transformación de la misma en calor.
  • Ambrotipo
    Es una de las aplicaciones del proceso conocido como placas húmedas al colodión. Se obtenían subexponiendo deliberadamente en la cámara una placa de vidrio emulsionada con colodión. El reverso de la placa se pintaba o se cubría con tela o cartón negro produciéndose un efecto visual de imagen positiva. Se presentaban en los mismos estuches que los daguerrotipos, con los cuales es posible confundir. En la Argentina no fueron muy populares, porque se introdujeron prácticamente al mismo tiempo que la fotografía sobre papel albuminado, que era mas barata y además le ofrecía al cliente la posibilidad de obtener una docena de copias, mientras que el ambrotipo era una imagen única.
  • Ampliadora (fotografía)
    Una ampliadora fotográfica es un aparato que produce copias positivas de tamaño mayor que el negativo proyectando y enfocando éste sobre un papel sensible. Hay dos tipos básicos: de condensador y de difusor.
  • Agente Humectante.
    Aditivo de tipo detergente que se utiliza en pequeñas cantidades para bajar la presión de la superficie del agua.
  • Ajuste de exposición
    Se llama ajuste de exposición al conjunto de operaciones que se realizan para conseguir la exposición deseada.
  • Angulo de visión.
    El espacio de la escena que un tipo particular de lente es capaz de captar, varía en función de la distancia focal y su formato.
  • ASA
    Abreviatura de American Standards Association (Asociación Americana de Normalización), que designa uno de los sistemas más empleados de calibrado de la sensibilidad.

B

  • Balance de blancos
    Control manual o automático de la cámara que ajusta el brillo de los colores azul, verde y rojo para que la parte más brillante de la imagen aparezca de color blanco.
  • Blanqueador
    Producto químico capaz de eliminar o reducir la densidad de la imagen.
  • Baño de fijado.
    Líquido empleado en todo proceso fotográfico para eliminar las sales no impresionadas por la luz y a la vez para insensibilizar la emulsión.
  • Baño de paro
    El cometido del baño de paro, a base de ácido acético disuelto en agua, es el de neutralizar los efectos del revelador en la emulsión y al mismo tiempo el impedir la formación del velo amarillo tan propio de la fotografías antiguas.
  • Barrido
    Se llama barrido al giro de la cámara para seguir a un objeto o motivo en movimiento. En general se emplea para obtener una imagen nítida del motivo contra un fondo difuso para crear ilusión de movimiento.
  • Bit
    La unidad de memoria más pequeña. 8 bits equivalen a un byte.
  • Bromuro (papel).
    El papel bromuro es el más empleado para hacer copias en blanco y negro. Tiene una emulsión de bromuro de plata que da un tono completamente neutro.

C

  • Cable de disparo.
    Se trata de un cable delgado que corre por el interior de un tubo flexible de goma o metal y que sirve para disparar la cámara sin tocarla y evitar así la vibración.
  • Calotipo.
    Fue el primer sistema fotográfico que produjo una imagen negativa sobre papel con la cual se podían obtener copias positivas idénticas. Constituye el punto de partida de la imagen reproducible. El proceso fue patentado en Inglaterra, en 1840, por Henry Fox Talbot considerado, junto a Niepce y Daguerre, como inventor de la fotografía. El proceso consistía en emulsionar un papel delgado con nitrato de plata y yoduro de potasio para producir yoduro de plata. El papel se sumergía luego en una mezcla de ácido gálico y nitrato de plata, que Talbot llamó galonitrato de plata. Luego se exponía el papel en la cámara, se revelaba con el galonitrato y se fijaba con bromuro de potasio. Esta imagen, permanente pero negativa, se positivaba por contacto sobre papel salado (sensibilizado con cloruro de sodio y nitrato de plata). Para reducir el tiempo de copiado se pasaba el negativo de papel por un baño de cera o aceite que lo hacía más transparente. Los calotipos se caracterizan por sus claroscuros y porque la textura del papel le confiere a la imagen un efecto pictórico muy distinto a la nitidez del daguerrotipo.
  • Cámara oscura.
    Originariamente era una habitación oscura con un pequeño orificio en una pared a través del cual se proyectaba una imagen invertida de la vista exterior sobre la pared opuesta de la habitación. Este principio óptico se remonta a Aristóteles, quien también observó que cuanto más pequeño era el orificio más nítida se veía la imagen proyectada. La primera innovación importante en la cámara oscura se produce en 1550, con la introducción en el orificio original de una lente biconvexa con la cual se lograba una imagen más brillante y definida. En 1558, el científico napolitano, Giovanni Battista della Porta, recomienda su utilización para facilitar el dibujo en su libro Magie naturalis. A partir de 1657, comenzaron a construirse cámaras oscuras portátiles, que el artista podía trasladar donde quisiera.
  • Campo
    Llamamos campo, en fotografía, a una parte de una escena o motivo cubierta por un objetivo. Puede expresarse como el ángulo que subtiende en el objetivo el diámetro del círculo máximo de nitidez aceptable.
  • Carte de visite.
    Formato comercial patentado por el fotógrafo francés, Adolphe Disderi, en 1854 y que consistía en copias de 9x5 cm que se obtenían simultáneamente sobre un negativo de vidrio, en una cámara especial de entre 4 y 12 objetivos. Las imágenes se imprimían por contacto, se cortaban y se pegaban sobre un cartón delgado. Las tarjetas de visita inauguraron una era excepcional para la fotografía comercial que se extendió hasta 1880, cuando fueron reemplazadas por otros formatos.
  • Código DX
    Un código legible en la cámara, impreso en el exterior de los chasis de película de 35mm y chasis APS. Dicho código ofrece información acerca de la sensibilidad ISO y tipo y longitud de la película, con la que la cámara podrá fijar los ajustes de exposición y el contador de fotogramas
  • Contraste
    La diferencia en el nivel de la luz entre las partes más luminosas de la imagen (las altas luces) y las más oscuras (las sombras). Las imágenes de alto contraste muestran una marcada diferencia entre claro y oscuro, mientras que las de bajo contraste resultan más atenuadas.
  • CCD.
    Del inglés Charge Coupled Device (dispositivo de carga acoplada). Uno de los dos tipos principales de sensores de imágenes utilizados por las cámaras digitales.
  • Círculos de confusión.
    Discos de luz que completan la imagen formada por el objetivo, desde cada punto luz del sujeto. Cuanto más pequeño son los circulas más nítida será la imagen.
  • Clorobromuro (papel)
    Posee emulsión de bromuro y cloruro de plata que produce, cuando se revela de forma normal, tonos cálidos.
  • CMOS.
    CMOS es uno de los dos tipos principales de sensores de imagen utilizados en las cámaras digitales. Su funcionamiento básico es igual al del sensor CCD. Actualmente, los sensores CMOS sólo se utilizan en algunas cámaras digitales.
  • Color indexado
    Sistema cromático que utiliza información de un archivo o de un programa como indicador en una tabla de consulta de colores en vez de especificar el color directamente. El color que se especifica en una paleta de 24 bits pero se muestra en un sistema de 8 bits es un color indexado
  • Colores complementarios lumínicos.
    El color (amarillo, magenta y cyan) que resulta cuando uno de los tres colores primarios (azul, verde y rojo) es sustraído de la luz blanca. También conocidos como colores sustractivos o colores secundarios lumínicos.
  • Colores primarios lumínicos.
    Azul, rojo y verde, también conocidos como colores aditivos, ya que la suma en partes iguales forma la luz blanca.
  • Copias por contacto.
    Copias expuestas en contacto directo con el negativo y por ello de idéntico tamaño que el mismo.

D

  • Daguerrotipo
    Primer proceso de fotografía práctica inventado por el francés, Louis J. Daguerre, y anunciado oficialmente en París en 1839. Se trata de una imagen positiva única (sin negativo). El daguerrotipo es un proceso por el cual se obtiene una imagen en positivo a partir de una placa de cobre recubierta de yoduro de plata. Tras ser expuesta a la luz, la imagen latente se revelaba con vapores de mercurio, que daba como resultado una imagen finamente detallada con una superficie delicada que había de protegerse de la abrasión con un cristal y sellarse para evitar que se ennegreciera al entrar en contacto con el aire.
  • Distancia focal
    La distancia entre el punto nodal posterior de un objetivo y el punto de convergencia de los rayos paralelos al eje cuando aquel está enfocado a infinito.
  • Densidad
    La densidad, en fotografía, es el poder de absorción de luz de una imagen fotográfica.Esta varía proporcionalmente a la magnitud del depósito de plata metálica en la emulsión tras la exposición y el revelado. En términos generales es la opacidad o negrura de un negativo o una copia.
  • Densitómetro.
    Instrumento electroóptico para leer la densidad de una película o la imagen de un papel.
  • Diafragma.
    Abertura formada por una seria de láminas que se sobreponen. Permite el ajuste continuado del diámetro.
  • Diapositiva
    Una diapositiva es una imagen positiva realizada fotográficamente sobre un soporte transparente y destinada a ser proyectada o a ser examinada frente a una fuente luminosa.
  • DIN
    Abreviatura de Deutsche Industrie Normen (Normativa Industrial Alemana), sistema alemán que determina la sensibilidad de la película, principalmente utilizado en Europa. Actualmente sustituido por el ISO.

E

  • Emulsión
    Capa sensible a la luz de las películas y papeles fotográficos. Está formada por haluros de plata suspendidos en una gelatina.
  • Enfoque
    Ajuste de la distancia entre el objetivo y la película para obtener una imagen nítida del motivo.
  • Espectro.
    Energía luminosa que radia en forma de longitudes de onda. El espectro visible se manifiesta en forma de luz y tiene una intensidad de Å 4.000 y Å 7.000.
  • EV
    Valor de exposición, una medida de la cantidad de luz que incide en la película. La exposición queda determinada por una combinación entre la velocidad de obturador y la abertura del objetivo. Cada vez que la velocidad de obturador se dobla o se divide por la mitad o el objetivo se abre o se cierra en un punto-f, equivale a 1 EV.
  • Exposición.
    Cantidad total de luz que llega al material sensible durante la formación de la imagen latente.
  • Exposímetro
    Mide el par diafragma/velocidad de una escena para un gris medio.

F

  • Factor de filtro.
    Factor por el cual la exposición debería aumentar como consecuencia de la utilización de un filtro.
  • Ferrotipo.
    Este proceso, conocido también como melanotipo, es otra variante de las placas húmedas al colodión. A diferencia del ambrotipo, donde el soporte era una placa de vidrio, en el ferrotipo se usaba una chapa de latón pintada de negro. Luego del revelado y fijado, se obtenía una imagen positiva. Este sistema patentado por Hamilton Smith en los Estados Unidos en 1856 se hizo muy popular por su bajo costo y fue utilizado hasta principios del siglo XX por los fotógrafos ambulantes.
  • Fijador.
    Solución química que transforma los haluros de plata en sales solubles.
  • Filtro.
    Lámina de cristal, gelatina o acetato que absorbe o transmite una parte específica de la luz que lo atraviesa con el fin de modificar el tono o el color de esa luz o de alterar o deformar la imagen. Algunos se emplean en el positivado, aunque la mayor parte se usa montada en el objetivo de la cámara, tanto en blanco y negro como en color.
  • Filtro Polarizador.
    Filtro de aspecto grisáceo capaz de frenar la luz polarizada en su trayectoria hacia el plano de polarización.
  • Filtro UV.
    Únicamente absorbe los rayos ultravioletas, este mismo es incoloro.
  • Flash.
    Equipos que proporcionan luz mediante una descarga eléctrica producida en el interior de un tubo lleno de gas xenón.
  • Formato.
    Término general para denominar la zona de la imagen formada por la cámara.
  • Gama
    La medida del grado de compresión o expansión de las sombras y luces de una imagen.
  • Gelatina.
    Proteína natural utilizada para que los haluros de plata se suspendan en una superficie uniforme en forma de emulsión. Permite la entrada y salida de soluciones químicas.
  • GOST
    Abreviatura de Gosudarstvenny Obshchesoyuzny Standart (Normas Unitarias del Gobierno Soviético) que designan un sistema de evaluación de sensibilidades empleados en la antigua Unión Soviética y algunos países del este de Europa. Es un sistema matemático similar al ASA.
  • Gradación
    Término usado para describir el intervalo de contrastes o la variación tonal de una imagen fotográfica.
  • Gran angular.
    Objetivo de distancia focal corta menor a un lente normal, este objetivo cubre un ángulo de visón grande.
  • Grano.
    Grupo de Haluros de Plata que forman la imagen.

H

  • Halo
    Imagen difusa que suele formarse en torno a las altas luces del sujeto.Aparece cuando la luz incide perpendicularmente sobre la película, atraviesa la base, alcanza el respaldo de la cámara y es reflejada de nuevo hacia la emulsión.
  • Halógenos
    Los halógenos son un grupo de elementos químicos al que pertenecen el cloro, el bromo y el yodo.Son importantes en fotografía porque con la plata forman las sustancias sensibles a la luz que hacen posible la fotografía
  • Haluros de Plata.
    Compuestos de plata sensibles a la luz y alcalinas de productos químicos halógenos.
  • Heliografía.
    Niepce llamó así a la primera fotografía que obtuvo en 1826 recubriendo una placa de peltre con betún de judea. Luego, utilizando una cámara oscura, expuso la placa a la luz durante ocho horas. Finalmente lavó la placa con aceite de lavanda y trementina que removió el betún no expuesto a la luz logrando una imagen permanente.
  • Hipo
    Hipo es el nombre coloquial del tiosulfato sódico, que hasta hace poco era el único agente fijador conocido.
  • Histograma
    Gráfico que muestra las gamas tonales presentes en una imagen como una serie de barras verticales. Cuantas más líneas tenga el histograma, mayor será la cantidad de valores tonales de la imagen.

I

  • Imagen latente.
    Imagen expuesta pero todavía invisible (no revelada).
  • Infrarrojo
    Radiación localizada más allá del extremo rojo del espectro electromagnético, invisible al ojo humano. Puede registrarse mediante películas especialmente sensibilizadas, produciendo imágenes en blanco y negro o en color.
  • ISO
    International Estándar Organisation, organismo responsable del sistema de sensibilidad ISO para películas. Combina los anteriores valores ASA y las cifras DIN.

J

  • JPG
    Un formato de archivo de compresión con pérdida que admite color de 24 bits y se utiliza para conservar las variaciones tonales de las fotografías .JPG comprime el tamaño de los archivos descartando selectivamente los datos.

K

  • Kelvin (escala)
    Escala de temperatura utilizada para describir las distintas longitudes de ondas, o colores, de la luz. Los grados Kelvin tienen los mismos incrementos que los grados Celsius, pero la escala empieza en el cero absoluto.

L

  • Latitud
    Llamamos latitud a la tolerancia de una emulsión a las exposiciones incorrectas.
  • LCD
    Pantalla de cristal líquido incorporada en muchas cámaras digitales, que permite la previsualización y la comprobación de las imágenes.
  • Lectura de luz incidente
    Utilizando un exposímetro junto al sujeto, en dirección a la cámara.
  • Lectura de luz reflejada
    Mide la exposición (generalmente desde la cámara) con el sensor de la luz apuntando al objeto.
  • Ley de la inversa del cuadrado.
    La intensidad lumínica de una superficie es inversamente proporcional al cuadrado de su distancia con respecto a su fuente de iluminación.
  • Ley de reciprocidad
    Exposición = intensidad x tiempo. Esta relación surte efecto a menos que se incluyan tiempos de exposición extremadamente prolongados o muy cortos.
  • Longitud de onda
    La longitud de onda se define como la distancia entre dos puntos sucesivos situados en la misma fase de un movimiento ondulatorio.
  • Luz
    Radiación electromagnética visible y agente natural que excita el sentido de la vista.La luz corresponde a oscilaciones extremadamente rápidas de un campo electromagnético, en un rango determinado de frecuencias que pueden ser detectadas por el ojo humano. Las diferentes sensaciones de color corresponden a luz que vibra con distintas frecuencias, desde la luz roja hasta la luz violeta.
  • Luz de relleno
    Luz suplementaria procedente de un flash, una lámpara o un reflector, utilizada para iluminar las sombras que se forman en un sujeto iluminado por la luz solar directa. Si no se aplica una luz de relleno las imágenes tienden a presentar un fuerte contraste.

M

  • Manual
    Cualquier función no automática. Los ajustes manuales comunes incluyen enfoque manual, control manual de la exposición (al fijar manualmente tanto la velocidad de obturador como la abertura) y la selección manual de la sensibilidad ISO, invalidándose el código DX.
  • Marquito de diapositiva
    Un marquito de plástico o papel rígido que se utiliza para contener un fotograma de película reversible. Los marquitos de 35mm miden 5 x 5cm.
  • Medición puntual
    Un modo de medición incorporado en muchas cámaras SLR, el cual calcula la exposición según una pequeña área en el centro del fotograma. La medición puntual resulta útil para sujetos de alto contraste ya que permite medir la luz tanto de las zonas claras como de las oscuras y después elegir una exposición intermedia. Otro uso de este tipo de medición es la fotografía de escenarios u otras situaciones en las que los sujetos quedan iluminados de forma selectiva.
  • Megabyte
    Unidad de medida de datos almacenados igual a 1.024 Kilobytes o 1.048.576 bytes.
  • Megapíxel
    Indica la resolución de imagen de un millón de píxeles o superior. Cuantos más píxeles tenga una imagen, más alta será la resolución y por tanto mayor será la calidad de imagen.
  • (Fotografía de) naturaleza
    Cualquier fotografía de un tema natural, desde animales, pájaros e insectos hasta flores y plantas e incluso sujetos subacuáticos. Las posibilidades son infinitas, utilizando todo tipo de objetivos, desde posición teleobjetivo hasta macro. Especialmente fácil y popular son los primeros planos de flores y pájaros.

N

  • Negativo color
    Película para producir copias en color. La película registra una imagen negativa (es decir colores y luz/oscuridad exactamente contrarios a la realidad) la cual se convierte luego en imagen positiva al imprimirse en papel color. La película negativa color tolera una amplia gama de índices de exposición, resultando muy fácil su uso.
  • Número-f
    Una medida de la abertura, es decir el diámetro óptico de un objetivo, que se escribe como “f/” (p.ej. f/2.8) o con dos puntos (1:2.8). Cuanto más pequeño este número, mas luminoso resultará el objetivo. La progresión de los número-f es como sigue: f/1.0, f/1.4, f/2.0, f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, f/22, f32.

O

  • Objetivo luminoso
    Un objetivo con una amplia abertura máxima (p.ej. f/1.7 o f/2.8), que permite la entrada de una gran cantidad de luz. Mientras que este tipo de objetivo ofrece un buen rendimiento con niveles de iluminación bajos, tienden a ser grandes y costosos. Los objetivos con aberturas máximas pequeñas (p.ej. f/5.6 o f/8) se denominan objetivos poco luminosos.
  • Objetivo normal
    La mayoría de las cámaras cuentan con este objetivo, cuya distancia focal equivale a la diagonal del formato de la imagen.
  • Objetivo Macro
    Un objetivo diseñado para la fotografía de primeros planos muy ajustados, es decir a una distancia de 20cm o inferior. Los objetivos macro constituyen los objetivos a elegir para fotografiar flores e insectos. Las longitudes focales populares son de 50-60mm, mientras que los objetivos macro de 90-100mm son útiles cuando se requiere una distancia ligeramente mayor.
  • Objetivo Zoom
    Conserva el mismo ajuste de enfoque y avanza o retrocede de forma continuada entre dos distancias focales determinadas.

P

  • Panel LCD
    Un panel incorporado en la mayoría de cámaras que proporciona información acerca de la toma, que incluye el estado de carga de la película, el número de fotograma, la fecha y la hora, un indicador de flash activado/desactivado, el estado de las pilas, la velocidad de obturador, la abertura, el modo de escena, el modo de medición, el enfoque hasta infinito, etc.
  • Paneo o barrido (Panning).
    Seguimiento con la cámara de un sujeto en movimiento, normalmente utilizando una velocidad lenta de obturador de unos 1/8 ó 1/15 de segundo aproximadamente, lo cual tiene el efecto de dejar borroso el fondo mientras que el sujeto permanezca nítidamente enfocado, dando una sensación de velocidad.
  • Papel albúmina.
    Papel impregnado con una mezcla de clara de huevos, bromuro de potasio y ácido acético que una vez seco, se sensibilizaba en nitrato de plata. Se exponía por contacto con un negativo a la luz del sol produciendo una copia positiva de color café pálido. Con este papel, desarrollado en 1850 por Louis Blaquart-Evrard, se imprimieron millones de cartes de visite en todo el mundo
  • Paralaje
    Falta de precisión del visor debido a que el visor y el objetivo ven el sujeto desde ángulos ligeramente diferentes. El paralaje incrementa a medida que el fotógrafo se vaya acercando al sujeto. Una de las ventajas del diseño de las cámaras digitales SLR es la ausencia de paralaje.
  • Parasol del objetivo
    Un dispositivo circular que evita que penetre en el objetivo la luz externa. El uso de un objetivo sin parasol aumenta el riesgo de imágenes fantasma, las cuales aparecen como un ofuscamiento blanquinoso por encima de la imagen.
  • Película de alta sensibilidad
    Película con una sensibilidad de 400 a 800 ISO. Las películas de alta sensibilidad modernas ofrecen un grano muy fino y un color intenso, por lo que pueden sustituir perfectamente las películas más lentas de 100 ISO del pasado.
  • Película de baja sensibilidad
    Película con una sensibilidad inferior a los 100 ISO. Estas películas ofrecen un grano extraordinariamente fino, excelente nitidez y una reproducción cromática muy intensa. Su baja sensibilidad tiende a dar lugar a velocidades lentas de obturador, por lo que es aconsejable la utilización de un trípode y otro tipo de soporte para la cámara.
  • Película de formato 135
    Película de 35mm, contenida en una caja. Constituye el formato de película más popular y se suministra en rollos de 12, 24 y 36 exposiciones. Un código DX indicado en el chasis permite que la cámara ajuste la sensibilidad ISO y otros parámetros de forma automática.
  • Película reversible color
    Se trata de película para hacer diapositivas en color. La película graba una imagen positiva (es decir, colores y luz/oscuridad igual que en la realidad). Este tipo de película puede ser utilizada no sólo para producir diapositivas sino también para la impresión directa de copias en color y el escaneado. La exposición debe ser bastante precisa, por lo que la película reversible en color es más adecuada para los fotógrafos intermedios a avanzados.
  • Píxel
    Elemento de una imagen. Un solo punto en una pantalla de ordenador o una imagen digital.
  • Placas húmedas al colodión.
    Este proceso consistía en barnizar una placa de vidrio con colodión y yoduro de potasio, que luego se sumergía en una solución de nitrato de plata durante 2 minutos. La placa, todavía húmeda (de allí su nombre), se exponía en la cámara, se revelaba en ácido gálico y se fijaba con hiposulfito de sodio. Este proceso, inventado por el inglés, Frederick Scott Archer, en 1851, produjo una revolución en el desarrollo de la fotografía permitiendo acortar los tiempos de exposición en la cámara y facilitando el registro de imágenes documentales.
  • Plano Focal
    Plano sobre el cual se forma la imagen nítidamente enfocada.
  • Plena abertura
    La utilización de un objetivo con la abertura totalmente abierta. Así, la plena abertura de un objetivo de f/2,8 lens es f/2,8. Esto minimiza el área de nitidez (conocido técnicamente como la profundidad de campo) y ayuda a suavizar el fondo y hacer que el sujeto se destaque dentro de la imagen.
  • Primer plano
    Se trata de una foto tomada cerca del sujeto que se define dentro de una gama de 1m o menos. Entre los sujetos que más se prestan al primer plano incluyen flores, insectos y pequeños objetos. Mientras que la mayoría de los objetivos normales pueden enfocar tan cerca como 40-50cm, los objetivos macro especializados ofrecen un mayor rendimiento para la fotografía más avanzada.
  • Primer plano (marcas de encuadre)
    Son pequeñas marcas adicionales dentro del visor de las cámaras compactas que se aproximan al tamaño del fotograma cuando se fotografía a distancias cortas. Se utilizan estas marcas cuando se toman primeros planos para evitar eliminar partes de la escena sin querer.
  • Profundidad
    La calidad de la profundidad tridimensional de una fotografía. Existen diferentes maneras de conseguir una sensación de profundidad, como puede ser la compresión de la perspectiva de un sujeto lejano, el uso de ángulos dramáticos de cámara y el enfoque selectivo.
  • Profundidad de campo
    La distancia delante y detrás del punto de enfoque más nítido que siga ofreciendo una nitidez aceptable. Cuanto más grande la abertura de un objetivo, menor será la profundidad de campo, mientras que los objetivos gran angulares ofrecen una mayor profundidad de campo.

R

  • RAW
    El formato de imagen RAW contiene los datos de imagen tal y como los recibe del sensor de la cámara, sin que la cámara los haya procesado.
  • Reducción de ojos rojos
    Un modo incorporado en muchas cámaras que dispara un destello de luz antes del disparo principal a fin de dilatar las pupilas de los ojos del sujeto y evitar así el molesto fenómeno de los ojos rojos cuando se fotografía con flash. Este modo resulta especialmente útil cuando se fotografía las personas en condiciones de poca iluminación.
  • Reflector
    Un objeto blanco, plateado o reflector que se utiliza para reflejar la luz en las zonas sombreadas de un sujeto, especialmente en situaciones de mucha luz solar en las que el contraste sea alto. Los reflectores pueden ser comprados e incluso improvisados fácilmente, y resultan especialmente útiles en las fotos de modelos.
  • Reproducción del color
    La fidelidad y la belleza cromática con la que las copias en color y las diapositivas reproducen la escena original. Diferentes películas poseen diferentes características cromáticas.
  • Resolución
    El número de píxeles por pulgada lineal de una imagen, o el número de puntos por pulgada producido por un dispositivo de salida.
  • Retrato
    Fotografía de una persona, normalmente posada. En el formato 35mm, un objetivo dentro de la gama 80-100mm proporciona una perspectiva natural. En lugar de tomar retratos de cara y hombros desde delante, los fotógrafos suelen preferir que el sujeto se siente a un ángulo y gire la cabeza hacia la cámara. Los retratos de tipo profesional suelen hacerse con una cámara de gran formato.
  • Ruido
    Es la cantidad de grano que posee una imagen, causado por falta de luz o por defectos en la señal eléctrica generada durante el proceso de captura de la imagen.

S

  • SLR
    Abreviación de "réflex de un solo objetivo"(Single Lens Reflex), un tipo de cámara que le muestra al fotógrafo la escena real a través de cualquier objetivo que se le acople, desde gran angular a teleobjetivo y zoom. Su versatilidad la hace indispensable para la fotografía avanzada.
  • Sensación de movimiento
    Una calidad de las fotografías de sujetos en movimiento, en las que la cámara no ha congelado el movimiento simplemente sino que también la muestra de alguna manera.
    Esto puede hacerse a propósito dejando que el sujeto tenga cierto grado de desenfoque o bien utilizando una velocidad lenta de obturador y siguiendo el sujeto con la cámara, para dejar desenfocado el fondo de la imagen.
  • Sensibilidad
    La sensibilidad de una película a la luz, es decir la cantidad de luz requerida para producir una imagen. A medida que se incremente la sensibilidad de una película, se la denomina más rápida. La sensibilidad de una película se expresa en ISO, es decir 400 ISO, 800 ISO, etc. Los números más altos indican una mayor sensibilidad.
  • Sensibilización
    Significa exponer una película a un índice más alto que su sensibilidad ISO nominal y compensarlo después durante el procesado.
  • Sobreexposición
    Fenómeno que se produce cuando una película ha recibido demasiada luz para hacer una exposición correcta. Los negativos tienen un aspecto oscuro, lo cual produce un ofuscamiento blanquinoso y altas luces carentes de color en las copias finales. Las diapositivas sobreexpuestas resultan descoloridas y borrosas.
  • Sombras
    Las partes más oscuras de un sujeto o una imagen. El contrario de las sombras son las altas luces, las partes más iluminadas, y es la transición entre ambas partes la que concede a las fotografías una sensación de tonalidad. Una exposición correcta debería conservar un alto nivel de detalle incluso en las zonas de sombra.
  • Subexposición
    Cuando la película no ha recibido luz suficiente como para proporcionar la exposición correcta. La subexposición hace que los negativos tengan un aspecto descolorido y produce copias turbias y con mucho grano. Las diapositivas subexpuestas también ofrecen un aspecto oscuro y turbio.
  • Sujeto
    El elemento más importante de una fotografía, que puede ser una persona, un animal, una planta, una montaña, etc. Mientras que el sujeto debería ser el punto más importante de una fotografía, pueden incluirse otros objetos para añadir interés. Es importante valorar la importancia que se le quiere dar al sujeto y la manera de proyectarlo.
  • Tamaño del fotograma
    El área de la película que registra la imagen en si. También se conoce como el formato de la película. Los formatos más comunes incluyen APS (16.7 x 30.2mm), 35mm (24 x 36mm), 645 (41.5 x 56mm), 6x7 (56 x 69mm), 6x8 (56 x 76mm) y 6x9 (56 x 82.6mm).
  • Temperatura de color
    Una medida de tendencia rojiza (calidez) o azulada (frío) de la luz, que se expresa en grados Kelvin. Los números más altos significan una luz más fría y los números más bajos una luz más cálida. Se considera que la luz estándar del mediodía se sitúa en torno a los 5400K, mientras que la luz que existe dos horas antes del amanecer o dos horas antes del atardecer es de 4800K.
  • TIFF
    El formato TIFF fue desarrollado para permitir el manejo de datos de imagen en diferentes plataformas. Permite guardar los archivos de imagen sin comprimirlos.
  • Tonalidad
    Las gradaciones de luz y oscuridad de un sujeto o de una fotografía, desde las altas luces hasta los sombras. La tonalidad puede ser fuerte, con una diferencia muy marcada entre tonos, o suave, lo cual significa una transición más suave de un tono a otro.
  • Trípode
    Un accesorio esencial para mantener la cámara estable cuando se utilizan velocidades lentas de obturador u objetivos largos. Un trípode constituye la mejor manera de prevenir la trepidación de la cámara. Al elegir un trípode, opte por uno que tenga un manejo sencillo y un tamaño adecuado para sus necesidades.
  • TLR
    Cámaras réflex de doble objetivo.

V

  • Vertical
    Un fotograma situado con el lado más largo en la línea vertical. Sostener la cámara en vertical e incluir el primer plano, el área central y el fondo constituye una manera eficaz de crear una sensación de profundidad. Unas buenas composiciones en posición vertical son sinónimas de un buen fotógrafo.
  • Visor
    La ventanilla de la cámara en la que se visualiza la escena. Las cámaras de enfoque automático normalmente enfocan el centro de la imagen, tal y como se ve a través del visor. Utilice el bloqueo de enfoque para asegurarse de que haya enfocado correctamente: centre el fotograma sobre el sujeto, pulse el disparador hasta la mitad y manténgalo pulsado mientras recompone la escena según precise, después pulse el disparador hasta el fondo.

Z

  • Zoom (Objetivo de distancia focal variable)
    La utilización de un objetivo zoom para ampliar una parte de un sujeto y eliminar el resto. Ya que la abertura de la mayor parte de objetivos zoom se vuelve más pequeña a longitudes focales más largas, al acercar un sujeto con el zoom debe asegurarse de que la velocidad de obturador permanezca lo suficiente alta como para prevenir la trepidación de la cámara.